Francisco Ribalta

FRANCISCO RIBALTA (Solsona, Lleida, 1565 – Valencia, 1628
“La Virgen niña con santa Ana y san Joaquín”.
Óleo sobre lienzo. Reentelado.
Obra expertizada por el historiador Don José Gómez Frechina.
Presenta restauraciones.
Medidas: 142 x 117 cm; 158 x 133 cm (marco).
Durante el barroco proliferaron numerosas imágenes de la Virgen, enriqueciendo así sus representaciones iconográficas. No es habitual este tipo de escena donde la Virgen se encuentra junto a sus dos padres, ya que la infancia de María se suele representar a través de su nacimiento o su presentación en el templo. En este caso destaca la ternura con la que el autor ha representado a los personajes, mostrando una escena intima donde unos padres mayores posan sus miradas atentas, sobre una pequeña María. A pesar de la apariencia infantil e inocente, el artista ha definido la figura de la Virgen en el mandil bordado que lleva; la media luna, la fuente etc…son símbolos marianos propios de la Virgen. Siguiendo las palabras de un estudio realizado por la prestigiosa galería Nicolás Cortes “en la iglesia de San Juan del Hospital de Valencia existió un lienzo con esta misma composición según demuestra Fernando Llorca en su libro San Juan del Hospital de Valencia: una fundación del siglo XIII (Valencia, 1930). La fortuna y aceptación de esta pintura queda de manifiesto en las dos copias del siglo XVII conservadas en el Museo de Bellas Artes de Valencia (inv.3417 y 4083). La idea primigenia de Ribalta de plasmar los símbolos lauretanos en el delantal de la Virgen fue retomada más tarde también por Jerónimo Jacinto de Espinosa (Cocentaina, 1600-Valencia, 1667).
Catalán de origen, Ribalta inició su formación en El Escorial, dentro del manierismo que dominaba la pintura de corte en esos momentos. Tras iniciar su carrera en Madrid se traslada a Valencia en 1599, seguramente alentado por el mecenazgo del patriarca arzobispo Juan de Ribera. Ya allí realiza sus primeras obras conocidas, los retablos para la iglesia de Algemesí, que denotan un estilo a caballo entre el manierismo escurialense y el naturalismo. Durante estos primeros años del siglo XVII realizó varios encargos para el arzobispo, cuya muerte en 1611 marcará un cierto giro estilístico dentro de la obra de Ribalta. Su lenguaje toma un sesgo intimista y profundo, muy acorde con el talante más piadoso de la Contrarreforma, inspirándose en la gravedad solemne de ciertos modelos de Sebastiano del Piombo que conoció en la propia Valencia. Ribalta supo compaginar estas influencias con un lenguaje naturalista y directo para el que se mostró especialmente dotado. También su cromatismo se tornó más contenido y sobrio, y sus figuras perdieron en gesticulación para ahondar en intensidad expresiva. Desde la segunda década del siglo trabajaron con él su discípulo Vicente Castelló y su hijo Juan Ribalta, formando los tres un sólido y prolífico equipo artístico, en el que a veces no resulta fácil distinguir sus individualidades. En torno a 1618 Ribalta cae enfermo, y en este momento se inicia su última etapa, la más madura de su producción. Pintará menos obras, pero su estilo se torna más intenso y emotivo, adentrándose en un naturalismo profundo de conmovedora fuerza, como se aprecia en su gran cuadro “Abrazo de san Francisco al Crucificado”, pintado para los capuchinos de Valencia hacia 1622. Seis años más tarde moriría Francisco Ribalta, y pocos meses también su hijo Juan, dejando trazadas en la pintura valenciana pautas que perdurarían durante mucho tiempo, condicionando el desarrollo del estilo barroco. De hecho, Ribalta fue, junto a Velázquez y Ribera, uno de los principales fundadores del lenguaje naturalista en España.Se pueden contemplar obras de Francisco Ribalta en el Museo del Prado, la National Gallery de Londres, el Museo de Bellas Artes de Valencia, el Hermitage de San Petersburgo, el Louvre, el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Chi-Mei de Taiwán y el J. Paul Getty Museum de Los Ángeles, entre otras de las pinacotecas.